Nathalie Gontcharoff

J'écris simplement un tout petit billet ce matin avant mon départ pour l'Outaouais. J'y passerai d'ailleurs la semaine et, surtout, loin de mon ordinateur et de mes livres. Je suis désolée mais je ferai donc l'école buissonnière en ce qui concerne mon blogue. Mais je passerai voir l'exposition de François Chalifour, Diane Génier et Paul Lacroix à la Galerie Art image de la Maison de la culture de Gatineau. Je vous donnerai mes commentaires la semaine prochaine.

Nathalie Gontcharoff (1881-1962) est une dessinatrice et peintre russe. Elle était également décoratrice de théâtre. Elle s'inscrit à des cours de sculpture et de peinture au début des années 1900 mais laisse de côté la sculpture pour la peinture après peu de temps. Elle a obtenu sa nationalité française en 1939.

Elle est considérée comme artiste en art moderne. Elle a touché à l'impressionnisme et au cubisme. Son œuvre est dominée par des thèmes religieux et d'inspiration paysanne. Dans les années 1910, elle participe à la création du mouvement du rayonnisme (mouvement non figuratif).

Elle présentera plusieurs expositions importantes à Munich, à Berlin, à Moscou, à Saint-Pétersbourg durant cette décennie. Grâce aux Delaunay, elle sera présentée également à Paris en 1914. Elle quittera définitivement la Russie en 1915.

Dans les années 1920, elle sera l'une des principaux peintres des Ballets russes et concevra plusieurs décors. Par la suite, les années de guerre et d'après-guerre seront une période d'oubli et de grande pauvreté pour elle et son mari. On recommencera à parler d'eux seulement vers la moitié des années 1950.

Le cycliste, huile sur toile, 1913

Jocelybe Alloucherie

Dans mon billet du 26 octobre dernier, je vous parlais de Jocelyne Alloucherie qui exposait à la Fonderie Darling à Montréal. Présentement et jusqu'au premier mars 2014 se tient aux Galeries Roger Bellemare et Christian Lambert (372 Sainte-Catherine Ouest, espaces 502) son exposition solo Terre de sable. 

Image Le Devoir, 25 janvier 2014

Photographe et sculpteure, Alloucherie s'intéresse à l'espace entre le réel et la représentation. Si vous êtes passé voir son installation à la Fonderie Darling, vous ne voudrez sans aucun doute pas manquer cette nouvelle exposition qui présente la même technique artistique.

Pour cette exposition, elle propose une série qu'elle a disposés sur une image du ciel pour ensuite numériser la composition obtenue,

Voici un clip vidéo dans lequel elle nous parle de son travail.

Photo Gaspésie, You tube

George Segal

George Segal (1924-2000) est un sculpteur américain. On l'associe au pop art mais il est également par la facture de ses œuvres un artiste réaliste.  L'artiste réalise de véritables tableaux vivants avec ses personnages recouverts de bandes de plâtre... un peu comme des momies.

Il place ses personnages dans des scènes de la vie quotidienne et les accompagne d'objets réels manifestant de cette façon son intérêt pour l'environnement de la sculpture. L'attitude de ses personnages et les objets choisis les place en situation. On retrouve, entre autre, des chaises, des cabines téléphoniques, des fenêtres, etc. Il rehausse ses «tableaux» de taches de couleur alors que ses personnages restent blanc.

Il a développé sa technique au début des années 1960. Il se sert de modèles vivants (les membres de sa famille, des amis) pour réaliser ses personnages (voir le clip vidéo plus bas).

Une sculpture de Segal à l'Université Stanford

Ses personnages en plâtre puis en bronze sont célèbres au niveau international.

Une des œuvres de Segal que possède le MBAC se nomme Le poste d'essence. On y retrouve deux personnages à côté d'une distributrice de de Coke, 71 bouteilles de verre, 4 caisses de bois, etc. Segal se souciait des sentiments qu'on pouvait ressentir en passant devant un poste d'essence, les couleurs et les lumières.

Le poste d'essence, 1963-1964

You tube, Michael Blackwood Prod

Joseph Cornell

Joseph Cornell (1903-1972) est un sculpteur américain reconnu comme l'un des pionniers de l'assemblage. Il est également un cinéaste expérimental. Malgré l'influence de Ernst (billet du 5 décembre 2013) et du surréalisme, Cornell ne s'est jamais joint à aucun mouvement artistique.

Il réalisait ses assemblages à partir d'objets divers trouvés, souvent dans des brocantes. Il montait la plupart du temps ces objets dans des boîtes en bois fermées par un couvercle vitré. Certaines séries de ces boîtes sont même interactives dont créées pour être manipulées. Citons, par exemple, la série Medici Slot Machine.

 

Même s'il ne se considérait pas comme un surréaliste, ses boîtes reprenaient la technique surréaliste de juxtaposer des éléments de façon irrationnelle.

On le considère comme l'un des précurseurs du pop art et de l'installation. Cornell montait également des fichiers documentaires (intéressant) à propos de sujets qui lui servaient de matériau pour construire ses boîtes.

 

Pour ce qui est de ses courts métrages, il appliquait la technique du collage, notamment dans le film Rose Hobar (1936) dans lequel in utilise des images trouvées dans un entrepôt. Suite à la colère de Dali à la projection de ce film, il ne présentera plus ses courts métrages en public. Dali disait qu'il avait lui-même pensé à utiliser cette technique de collage avant Cornell...

 

Joseph Cornell, Navigating the imagination, You tube, Artpopulus

Peter Doig

Du 25 janvier jusqu'au 4 mai 2014 se tiendra, au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM), l'exposition Nulle terre étrangère de l'artiste Peter Doig. Né en 1959 à Édimbourg en Écosse, il a grandi à Trinidad et au Canada. Il a passé sa jeunesse à Montréal et dans les Cantons de l'Est. Avec son passage au Canada, Doig s'est intéressé aux artistes canadiens Milne, Morrice et Leduc.

Grand coloriste, il présente des œuvres très texturées. Son approche est loin de celle plus conceptuelle de l'art actuel.

Nationalgalleries, You tube

Il privilégie les grands formats et il peut prendre jusqu'à six ans pour compléter une toile. C'est un peintre figuratif aux couleurs vibrantes.

Il est récipiendaire (1991) du Whitechapel Artist Award de la galerie du même nom à Londres. Il fut également membre du conseil d'administration de la Tate Galery à Londres, entre 1995 et 2000.

Damien Hirst

Damien Hirst (1965-) est un artiste britannique contemporain. Sa carrière a commencé plus activement dans les années 1990 alors qu'il dominait la scène de l'art visuel britannique. Il a fait partie du groupe des Young British Artists qui se sont fait remarquer par leur tactique de choc et l'utilisation de matériaux peu communs.

Pour sa part, Damien Hirst utilisait, comme matériau, des des carcasses d'animaux qu'il découpait. Il utilise les animaux, parfois coupés en deux, qu'il dépose dans le formol et présente dans des aquariums. Donc, ces sculptures disparaîtront un jour même si la putréfaction se trouve ralentie par le formol. Elles perdent peu à peu leurs couleurs et leurs formes.

Damien Hirst The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living 1991, verre, acier, silicone, solution formaldehyde et requin

La recherche de Hirst cherche à établir un rapport entre l'art, la vie et la mort ce dernier thème devenant central dans son travail. Il travaille avec des mouches mortes, des papillons naturalisés sur des toiles monochromes.

Il brise également les règles du marché de l'art traditionnel. Par exemple, en 2008 il a organisé une vente de ses œuvres les plus récentes directement chez Sotheby's, sans passer par les galeries. Cette vente s'est révélée un succès dépassant les estimations.

Une anecdote en passant. Hirst travaille beaucoup avec les «animaux» et on dit que lors de l'exposition In and out of love il avait enfermé plus de neuf mille papillons dans deux pièces et ces derniers y sont morts. Ceci ayant entraîné les foudres de la RSPCA en Grande-Bretagne.

Il a également réalisé une série de Spot paintings qui présentent des points colorés alignés et qu'il relie au monde médical. Par la suite, il réalise des Spin paintings pour lesquelles il se sert de la force centrifuge. Ces toiles sont de forme circulaire. Le courant Spin art est cependant issu de l'Action painting des années 1960.

Voici un court clip vidéo réalisé lors d'une exposition au Tate Modern.

You tube

Fernand Léger

Vous direz que je fais le tour des «Fernand» en même temps... pure coïncidence. Fernand léger (1881-1955) s'est tout simplement inscrit sur mon clavier ce matin. Je vous laisse le lien du Musée national Fernand Léger dans les Alpes-Maritimes en France où vous trouverez sa biographie.

C'est un peintre, décorateur, céramiste, sculpteur, illustrateur, dessinateur, cinéaste français. On le relie au mouvement cubiste. On raconte une anecdote à son propos. Il allait dessiner le nu presque tous les soirs à l'Académie de la Grande Chaumière. Pourtant, on ne peut retrouver ces dessins car il les détruisait au fur et à mesure qu'il les produisait comme s'il se dissociait de la tradition.

Il sera influencé par l'exposition de Cézanne en 1907 et la découverte du cubisme avec Braque et Picasso. Il côtoie Modigliani, Archipenko, Cendrars, Apollinaire et Delaunay.

Partageant la vision non figurative du cubisme, il se démarque cependant par un cubisme visuel et non intellectuel. Il ne figure pas l'objet dans sa totalité mais il place les objets en volume et en plan dans un espace. Ses sujets seront les acrobates, les clowns et les jongleurs de cirque et ces personnages ont la même valeur que les décors ou les objets.

Il crée des costumes et des décors pour des films, des ballets. Il illustre des livres tels La Fin du monde filmée par l'Ange N.D. de Blaise Cendrars qu'il conçoit comme une suite de plans cinématographiques. Vous retrouverez sr You tube le film Le ballet mécanique réalisé avec le compositeur américain George Antheil dont sa musique devait servir de trame sonore. Le film a été réalisé en deux parties et ces parties n'ont pas été regroupées avant les années 1990.

Le mécanicien, 1920

Inspiré par Robert Delaunay qui recherche la suprématie de la couleur, Léger s'oriente plus à créer « un équilibre entre les lignes, les formes et les couleurs » (Léger). 

Il a également dirigé plusieurs écoles de peinture et a même enseigné à l’auteur-compositeur-interprète Serge Gainsbourg. 

Ce clip vidéo réalisé par le MoMa présente l’œuvre de léger.

 

You tube

Fernand Leduc

Fernand Leduc (1916-) est un peintre québécois qui a rencontré Paul-Émile Borduas à l'École des beaux-arts de Montréal. C'est suite à cette rencontre qu'il s'associe au groupe des Automatistes. Il fut également l'un des signataires du Refus global. Il a d'ailleurs accordé un interview à La Presse à l'occasion du 60e anniversaire du célèbre manifeste.

Il passera une grande partie de sa vie en France, où il rencontrera André Breton, et en Italie. C'est en 1956 qu'il fonde en compagnie de Jean-Paul Riopelle, Pierre Gauvreau, Françoise Sullivan et Jean-Paul Mousseau l'Association des artistes non-figuratifs de Montréal. Il en assuma lui-même la présidence.

Il passe à une forme d'abstraction «hard edge» au milieu des années 1950 où il se rend compte que les techniques des automatistes sont dans une impasse. Sa recherche se situe davantage aux interactions et aux contrastes entre les couleurs. Il étudie également la lumière et à sa capacité de donner des nuances et des vibrations à la couleur.

Les portes, 1960

Il portait une admiration à Mark Rothko et à Josef Albers qui, selon lui, furent les pionniers de ce genre de recherche picturale.

Il revient à Montréal à l'âge de 90 ans en 2006. Il a reçu un doctorat honorifique de l'Université du Québec puis, en 2007 l'un des Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques.

You tube, extrait de La peinture et les mots

Francis Bacon aux enchères chez Christie's

Je sais... j'ai été absente plusieurs jours... pas d'accès internet et pas beaucoup de temps à consacrer à mon blogue la semaine dernière. Désolée...

Je reviens sur Francis Bacon (30 mars 2013). Une des ses toiles, Portrait of George Dyer talking, le portrait de son amant pourrait se vendre plus de 50 millions de dollars US aux enchères.

La toile sera mise aux enchères le 13 février prochain. À suivre...

 

 Voici un interview de Francis Bacon mis en ligne par Adam Montmartre sur You tube. Vous trouverez d'ailleurs plusieurs reportages sur Bacon sur le même site.

 

 

2FIK

En lisant l'article Des détournements ludiques de classiques de la peinture exposés à Montréal sur le site web de Radio-Canada, je découvre 2FIK. Vraiment intéressant le travail de cet artiste d'origine marocaine, française et maintenant québécoise. 

Comme vous pourrez le constater dans l'article, il transpose des œuvres de grands maîtres au «goût du jour»... Regardez plutôt et vous comprendrez. Le visage de la grande odalisque est celui de l'artiste. Sa recherche se fait, vous le comprendrez, sur l'identité, l'intégration et l'immigration.

À découvrir... du 15 au 21 janvier 2014 au 4844 Boulevard Saint-Laurent. L'exposition a transité auparavant à la galerie The Invisible Dog Art Center, à Brooklyn, New York au printemps 2013.

Cette dernière est composée d'œuvres photographiques réinterprétant des tableaux classiques et contemporain, célèbres ou moins connus.

«La série « 2Fik’s Museum » ressort d’une démarche dans laquelle 2Fik a questionné la sacralisation des tableaux célèbres.

Le questionnement de l’identité prend ici une lecture à plusieurs niveaux. On relie alors à chaque œuvre la teneur politique des photos, leur message propre versus le message de la peinture originale, et l’esthétique même de l’œuvre.» - Facebook, 2FIK's Museum venissage

« La grande odalisque » d'Ingres, une des toiles revisitées par l'artiste 2Fik pour sa série photographie 2Fik's Museum.  Photo :  2Fik (Radio-Canada.ca)

 

 

Musées du Québec 2014

Je mets en lien l'article du journal Le Devoir, Des vedettes en visite et une célébration des collections de Marie-Ève Charron que vous ne pourrez malheureusement pas lire si vous n'avez pas d'abonnement. Je vous donne cependant les grandes lignes.

Musée national des beaux-arts de Québec

À compter du 20 février, le musée présentera dans des salles distinctes, les œuvres de Jean-Paul Lemieux (billet du 9 décembre 2013), d.Alfred Pellan (4 août 2013), de Jean-Paul Riopelle (5 avril 2013) et Fernand Leduc (billet à suivre sous peu). Expositions à ne pas manquer si vous passez par Québec.

Jean Paul Lemieux, Tourné vers le cosmos, entre 1980 et 1985 (Le Devoir)

Musée des beaux-arts de Montréal & Musée d'art contemporain de Montréal

Le MBAM présentera, à l'occasion du 50e anniversaire du MACM, 1 + 1 = 1 mettant en dialogue les collections des deux musées, une première dans l'histoire. Le but de cette exposition est de révéler la collection d'art contemporain montréalaise.

Au MBAM, on lancera le 25 janvier l'exposition de l'artiste écossais Peter Doig  Nulle terre étrangère. Au MACM, viendra le 6 février l'exposition sur l’œuvre de Adrian Paci, artiste albanais. 

  Peter Doig, Pelican (Stag), 2003, (Le Devoir)

Bonne saison muséale!

Edward Ruscha

Edward Ruscha (1937-) ou Ed Ruscha est un peintre, réalisateur et photographe américain contemporain. Il a été influencé par l’œuvre de Jasper Johns à la fin des années 1950 et celle de Marcel Duchamp au début des années 1960 et beaucoup par le photographe américain Walker Evans.

En 1961, il réalise une série de photos en noir et blanc Produits qui sont des objets de consommation flottant sur des fonds non définis. À la même époque, il réalise des collages  dans lesquels il y intègre des photos qui deviennent objets à leur tout. Ses photographies deviennent une part intégrante de son travail. Avec la photographie, il produira plusieurs livres d'artiste. Citons entre autres Twentysix Gasoline Stations en 1963 qui a été souvent considéré comme «le premier livre d'artiste», Real Estate Opportunities en 1970 et Colored People en 1972.

Ce sera la peinture et la photographie qui demeureront ses moyens d'expression privilégiés. À partir de dessins, il expérimente divers matériaux tels la poudre à canon, le jus de légume ou de tabac. Il présentera à la Biennale de Venise Chocolate room, une œuvre qui couvre les murs du Pavillon américain de papiers enduits de chocolat.

Burning gas station, huile sur toile, 20,5 x 39 po

Le clip vidéo suivant permet d'entendre Ed Ruscha parler de son travail, de son processus créateur.

Tate, You tube

Robert Delaunay

Dans mon billet sur Paul Klee, je citais Robert Delaunay (1885-1941) peintre d'avant-garde français. Avec son épouse Sonia, il a fondé le mouvement optique, une forme de cubisme. Sa recherche sur la couleur, qui a inspiré plusieurs autres peintres, part des théories sur le contraste simultané des couleurs et vise à l'harmonie picturale.

Dans son cercle de relations, nous pouvons voir Guillaume Apollinaire, BLaise Cendrars, Klee, Matisse, Kandinsky et Tristan Tzara. Après la 1ère Guerre mondiale, il côtoie les surréalistes sans toutefois adhérer à leurs idées.

On relie également son nom à la tour Eiffel qu'il a peinte plusieurs fois avec des méthodes différentes. Elle incarne le modèle idéal pour sa recherche sur la couleur.

Huile sur toile, 1926

Ce sera au début des années 1910 qu'il passera à l'abstraction, notamment avec sa série Les fenêtres. L'influence des écrits de Chevreul (De la loi du contraste simultané des couleurs) et de Kandinsky (Du spirituel dans l'art) influencera son travail durant toute sa carrière. Avec sa femme Sonia, il crée le simultanéisme, technique visant à l'harmonie picturale par l'agencement simultanée des couleurs et de l'interaction de la lumière sur celles-ci.

Em 1930, il crée une série de formes circulaires en aplat. Sa recherche sur la couleur se poursuit. Il travaille également sur de nouvelles techniques picturales, où il mêle à sa caséine des pâtes faites de poudres de liège et de sciure de bois qui, une fois durcies peuvent résister aux intempéries extérieures. Il utilise également une gamme chromatique de sables qui sont projetées sur la toile avec l'aide d'un pistolet à air. Ces colorations deviennent hydrofuges et résistantes à la lumière.

Par ces nouvelles techniques, il travaillera alors directement sur les murs.

You tube, MOMA vidéo

Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) est un peintre abstrait et un pédagogue allemand. Au début des années 1920, il enseigne au Bauhaus de Weimar. Par la suite il enseignera au début des années 1930 à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Il sera congédié et attaqué par les membres du parti national-socialiste en 1933. Son art était qualifié de dégénéré.  C'est à ce moment qu'il s'exile vers la Suisse où il demande sa citoyenneté qu'il n'obtiendra finalement qu'après sa mort.

Son œuvre est difficile à classer. À la période du Bauhaus, elle était constructive mais devient, par la suite, plus intuitive et même spirituelle selon certains critiques.

Il expose pour la première fois en 1910. Cette exposition le fera connaitre d'artistes tels Kandinsky.En 1912, l'exposition Der Blaue Reiter lui fait connaître la peinture de Henri Rousseau et Robert Delaunay. Par la suite, il travaillera à la recherche sur la couleur tel que Delaunay. C'est en 1914, lors d'un voyage en Tunisie qu'il trouve réponse à ses recherches sur la couleur.

Étant musicien, il cherche à lier peinture et musique. Il recherche également le lien avec les mouvements naturels, tel les marées, recherchant ainsi la notion de rythme en peinture. Il pose également le mouvement comme principe de base en peinture, dans le sens que la peinture nait du mouvement de l'artiste.

Étoile filante, 1931

Kasimir Malevitch

L'un des premiers peintres abstraits, Kasimir Malevitch (1879-1935) est un dessinateur, peintre, sculpteur et théoricien russe. Il a créé le mouvement artistique dit suprématisme, courant précédant le constructivisme russe qui apparaitra en parallèle.

Dessinateur technique de formation, il poursuit ses études en peinture pendant deux ans à l'école de Kiev. Par la suite il développera en autodidacte sa recherche artistique. Il travaillera dans une dizaine de courants artistiques différents au cours de sa vie, notamment le symbolisme, le fauvisme, le cubisme, etc.

Il présente en 1915-1916 un ensemble de toiles qu'il qualifie de «suprématistes» dont le fameux Carré noir sur fond blanc (Quadrangle) qui deviendra l’œuvre emblématique du suprématisme.

Il devient alors enseignant à Moscou, puis dans d'autres villes russes. En 1918, il peint la première toile monochrome de l'art contemporain, Carré blanc sur fond blanc.

Carré blanc sur fond blanc, 1918

Au cours de années 1930, il perdra ses fonctions officielles et sera même emprisonné et torturé par les autorités russes qui continuent, même après sa mort, à condamner son œuvre. Il restera dans l'oubli jusque dans les années 1970 où de nombreuses rétrospectives mondiales le reconnaîtront comme l'un des maîtres de l'art abstrait.

Ses toiles présentent une dominante de rouge et de vert, peu importe l'époque ou le mouvement artistique auquel il adhérera. Il publiera également une vingtaine de manuscrits entre 1915 et 1930. Cependant plusieurs de ses textes ne seront jamais publiés.

Voici un très beau clip vidéo qui fait voir l'ensemble de l’œuvre de Malevitch. Bon visionnement...

Giorgio De Chirico

Giorgio De Cherico  (1888-1978) est un peintre. sculpteur et auteur italien. Les surréalistes admirèrent ses œuvres pour ensuite les rejeter. Il fait des études en arts en Grèce où il est né puis à Milan et à Munich. À ses débuts, il présente une exposition à Paris où on écrit que sa peinture est métaphysique et représente les songes.

Il gardera le qualificatif pour créer, à son retour en Italie, il créera avec le peintre Carlo Carrà le mouvement Pittura metafisica en 1915. Sa peinture est métaphysique parce qu'elle présente la réalité au-delà de la logique habituelle. Suite à une exposition, les critiques italiens l'accusent alors d'incapacité picturale et il est victime de réactions xénophobes. Selon eux, De Chirico ne fait pas de la «grande» peinture italienne. Suite à cette critique, il retourne à la peinture de la Renaissance qu'il étudie et en recherche les principes d'alors, soit la couleur et le dessin. Ce sera ce changement dans sa vision qui fera réagir André Breton et à rejeter les œuvres de De Chirico par la suite. Ce seront les surréalistes qui le traiteront par la suite d'imposteur.

En réponse à une exposition présentée en 1928, les surréalistes présenteront une contre-exposition avec le titre de Ci-gît Giorgio De Chirico. Raymond Queneau écrira «il est inutile de s'attarder derrière [ce] grand peintre [...] Une barbe lui a poussé au front, une sale vieille barbe de renégat.»

Il poursuivra alors son travail de manière plus académique et également plus lucrative.

Les historiens de l'art divisent l’œuvre picturale de De Cherico en trois périodes.  

les années 1910 : œuvres  « métaphysiques » qui le consacrent comme symbole de la modernité,  

  Énigme de l'heure, 1911

les années 1920-1930 : la période romantico-baroque  De Chirico revient alors sur des positions qu'il avait dénoncées précédemment
Gladiateurs, vers 1927

après 1940 : retour à une « néo-métaphysique » avec la multiplication des répliques et des copies que ses aides font de ses toiles.

Persée et Andromède, 1963

You tube, DistantMirrors

René Magritte

René Magritte (1898-1967) est un peintre surréaliste belge. Ses premières œuvres de facture plus impressionnistes datent de 1915.

C'est dans L'atelier de Pierre-Louis Fouquet qu'il découvrira le cubisme et le futurisme. En 1920, il exposera à Bruxelles avec Flouquet. Par la suite, il travaillera comme dessinateur dans une usine de papier peint à Bruxelles.

Dans la moitié des anées 1920 il constitue avec d'autres artistes de son entourage le groupe surréaliste de Bruxelles. Sa première exposition se tiendra en 1928 à la galerie L'Époque. Il quitte la Belgique en 1927 pour la France et il y rencontre alors Breton, Éluard, Dali et Ernst avec lesquels il exposera. Il retourne cependant en Belgique lors de la crise de 1929 où il travaille à des contrats de publicité.

Cependant, contrairement aux surréalistes il reste opposé à la psychanalyse. Pour lui, l'art a besoin de commentaires et non d'interprétations de son enfance.

En 1936, il expose pour le première fois à New York et à Londres en 1938.

En 1948, il peint en six semaines une quarantaine de tableaux dans des tons criards destinés à dérouter les marchands d'art parisiens et à scandaliser le bon goût français. Ce sera sa période «vache».

Ses toiles jouent beaucoup sur le décalage entre un objet et sa représentation. Citons un de ses tableaux qui est une image de pipe sous laquelle on peut lire «Ceci n’est pas une pipe». Il s’agit en fait de considérer l’objet comme une réalité concrète et non pas en fonction d’un terme à la fois abstrait et arbitraire. Magritte dira : «La fameuse pipe, me l’a-t-on assez reprochée ! Et pourtant, pouvez-vous la bourrer ma pipe ? Non, n’est-ce pas, elle n’est qu’une représentation. Donc si j’avais écrit sous mon tableau « ceci est une pipe », j’aurais menti !»

Sa peinture se questionne sur l'action du peintre sur l'image représentée. Donc elle représente l'action du peintre sur l'objet. Il recherchait ce qui n'était pas conventionnel. Dans un de ses tableaux La Reproduction interdite, on voit un homme vu de dos qui regarde un miroir. Cependant, dans le miroir on voit son dos et non son visage. Le peinture n'est alors pas le miroir de la réalité.

  La Reproduction interdite, 1937

Il est le peintre du surréel et traite ses thématiques avec humour. Il interfère entre l'objet et sa représentation, entre les images et les mots. Tout au cours de sa vie, il contribuera à plusieurs revues. 

Voici un court clip vidéo montrant l'oeuvre de Magritte.

You tube, edwardxrose

 

Picasso et le cubisme

Qui de mieux pour débuter l'année 2014 que le fameux peintre, dessinateur, céramiste et sculpteur espagnol, Pablo Picasso (1881-1973). Tout le monde connait Picasso, tout le monde a vu ses œuvres. On aime ou on n'aime pas mais il ne laisse personne indifférent.

Il a utilisé plusieurs techniques pour réaliser plus de cinquante mille œuvres dans sa longue carrière.Son père, professeur de peinture, a encouragé Pablo à s'orienter dans une carrière artistique. Très doué, dès ses débuts il reçoit de nombreux honneurs. Il part pour Paris en 1900 où il fera de belles rencontres et vendra plusieurs tableaux et pastels. Il retournera en Espagne à la fin de la même année.

La période bleue (années 1901-1904)

La teinte dominante de ses tableaux est le bleu. Cette période a débuté avec le suicide d'un ami. Elle est empreinte de mélancolie, ses thèmes sont la pauvreté, la mort, la misère. Sonn premier tableau dans cette période est la Mort de Casagemas, du nom de son ami.

La période rose (années 1904-1906)

Débute avec la rencontre avec sa première compagne de vie. Les teintes dominantes de cette période sont, comme le nom le dit, des roses. Ses thèmes principaux sont alors la joie mais aussi l'inquiétude de vivre.

Le cubisme

Ce sera dans les années 1907 jusqu'en 1914 qu'il créera avec Georges Braque des œuvres cubistes. Cette période se caractérise par une recherche géométrique. Les formes représentées sont divisées et réduites en formes géométriques simples. Donc, on ne représente pas les objets comme on les voit mais selon leur réalité. C'est ainsi qu'ils représentent sur une toile en 2D des objets 3D. Il décompose l'objet en facettes ou cubes d'où l'appellation cubisme. Les Demoiselles d'Avignon est une des toiles les plus connues de cette époque. Ses premiers collages et assemblages datent également de cette période.

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Cette technique fut reprise par Juan Gris, Brancusi, Francis Picabia et quelques autres artistes.

Influence des surréalistes

L'année 1925 sera marquée par sa rencontre avec les impressionnistes. Son approche était cependant plus pragmatique que ces derniers. Nous retrouvons, dans cette période, son grand collage du Minotaure. Il fera, par la suite, beaucoup de dessins, de croquis sur ce même thème.
Le Minotaure, 1928

Guernica

Une de ses œuvres les plus célèbres, Guernica, sera peinte à la suite des horreurs du bombardement de Guernica par les nazis à la demande de Franco en 1937. Ce sera pour lui un outil de dénonciation des horreurs de cette guerre. Ce ne sera qu'après la guerre que ses tableaux deviendront plus optimistes. Opposé à la guerre, il est l'auteur de la célèbre colombe de la paix.

Il poursuivra sa carrière jusqu'à son décès en 1973. Voici un extrait d'une entrevue réalisée en 1966 par RTBF.

Et je vous offre mes meilleurs vœux de bonne année pour 2014.