Mike Kelley

Mike Kelley (1954-2012) est considéré l'un des artistes américains les plus importants en art contemporain. Il a surtout travaillé sur la côte ouest des États-Unis, vivant en Californie depuis 1978, mais il a une réputation internationale.

Artiste  multimédia, il utilise divers objets pour ses sculptures : tapis, animaux naturalisés, dessins, objets divers. Il travaille par assemblage, collage et utilise également la vidéo. Il s'inspire de la politique, de la philosophie, de la musique underground et des arts décoratifs. Il décrit les problèmes de classe et de sexe. Les critiques classent son œuvre dans le concept d'abjection. 

Installation pour exposition au Centre Pompidou, Paris en 2013

L'article I want my Mike Kelley de Ben Davis nous donne l'ambiance d'une exposition de l'artiste à la Gargosian Gallery en 2005. Cette exposition fut qualifiée de sa plus ambitieuse.

«Mike Kelley’s new show at Gagosian’s gargantuan Chelsea gallery jackhammers the viewer with noise, music, shrieking voices, motion and color. The space is packed with a maze of different installations, from freewheeling disco lights and living rooms with furniture that swivels wildly as if possessed, to giant chess pieces and a 15-foot-long missile designated as the "Gospel Rocket.» Ben Davis, ArtNet

Il a également travaillé avec des artistes d'avant garde notamment Sonic Youth; sa plus célèbre collaboration  étant la pochette et le livret de l'album Dirty sorti en 1992.

Il est membre du département des beaux arts au Art Center College of Design à Pasadena, Calif. En 2003, il expose  en compagnie de Robert Crumb, Jim Nutt, H.C. Westermann et Peter Saul au Stedelijk Museum d'Amsterdam.

 

Voici un clip vidéo de son exposition Day is done à la Gagosian Gallery mis en ligne part Art21.. 

 

 

Martin Kippenberger

Martin Kippenberger (1953-1997) est un artiste allemand. Ses activités sont la peinture, la sculpture, la photographie ainsi que les installations et la performance.On le compte parmi les artistes contemporains importants. Certains le rattachent aux Nouveaux fauves.

Ses installations provoquent et sont presque absurdes. Par exemple, sa fameuse «grenouille crucifiée» qui a soulevé bien des polémiques surtout à Bolzano en Italie durant l'été 2008. 

«Un élu local est allé jusqu'à faire une grève de la faim pour exiger le départ de l'œuvre considérée par ses détracteurs comme blasphématoire, pendant que des manifestations pour exiger le respect de la liberté d'expression avaient lieu, des banderoles arborant « Salviamo la rana ! » (« Sauvons la grenouille ! »).»

La deuxième photographie ci-bas s'intitule Ich kann beim besten Willen kein Hakenkreuz entdecken ou, en français, Je ne peux pas découvrir de croix gammée avec la meilleure volonté (1984).

  

On lui a consacré plusieurs expositions à travers le monde. Le Tate modern (Londres) a organisé sa première grande rétrospective en 2006. Celle-ci a par la suite été présentée à Dusseldorf. Il est décédé d'un cancer à l'âge de 44 ans.

J'aime bien ce petit clip vidéo qui nous présente l'ensemble de l'oeuvre de Kippenberger. Un artiste à redécouvrir...

Digne de toiles impressionnistes

Après un petit saut de deux jours chez nos amis Bernard et Lise, nous sommes revenus dans la réalité du prochain déménagement. Le temps de ce passage, nous nous retrouvions dans un paysage digne de Monet et des impressionnistes. La nature qui se réveille sur le petit lac et dans le boisé. Ouf! Un paysage de rêve nous a été partagé. Nous avons même fait la connaissance d'un couple de canards qui s'est présenté pour quémander un peu de pain. Être au bon endroit au bon moment... voilà le secret.

Je passe maintenant à un tout autre ordre d'idée. J'ai commencé la lecture du livre Les filles peintes de Marie Cathy Buchanan aux éditions Marchand de feu. C'est un roman mais qui s'inspire de l'histoire de la jeune fille qui a posé pour le peintre Edgar Degas et qui est à l'origine de sa sculpture pour la Petite danseuse de 14 ans. L'auteure s'inspire également des célèbres procès des criminels de la même époque.

La Petite Danseuse de quatorze ans (dit aussi La grande danseuse), (1879-1881). Musée d'Orsay, Paris

En fait c'est l'histoire de deux sœurs qui, après la mort de leur père, se retrouvent dans la plus grande pauvreté à Paris autour des années 1878 et nous fait voir comment elles vont tenter de s'en sortir. L'une, pour quelques francs se lancera dans la danse et deviendra bientôt modèle pour Degas et l'autre qui trouvera un rôle de figurante dans une pièce de Zola intitulée L'Assommoir. C'est aussi l'histoire d'une époque où les femmes sont parfois confrontées à faire des choix difficiles.

 

Isa Genzken

Isa Genzken (1948-) est une artiste conceptuelle multimédia allemande. Pour faire un lien avec le billet du 16 mai dernier, elle a été l'épouse du peintre Gerhard Richter de 1982 à 2003. Elle utilise divers supports soit la peinture ainsi que des œuvres sur papier, la sculpture, le collage, la photographie ainsi que les films et la vidéo. 

Son travail ne se relie à aucun mouvement, peut-être seulement «le pop art» car elle s'approvisionne de matériaux dans les rues et garde en tête le présent dans lequel elle évolue. Ses œuvres mettent souvent mal à l'aise, elle exprime la violence et la douleur... sans aucune demi-mesure. Peu d'artistes se rendent à un point extrême comme elle. Elle heurte, elle fait mal.

Elle aime se tourner vers le grotesque et le tragicomique. Elle suit ainsi les traces des peintres Ensor et Dix mais, au contraire d'eux, elle met en scène ces «images» ou «scénarios» en trois dimensions.

«Fuck the Bauhaus» est une série de maquettes dans lesquelles elle ridiculise ces standards de la modernité qui sont «la rationalisation et la modélisation du monde selon des schémas carcéraux». Elle crée ces maquettes sans cohérence ni harmonie, Elle deviennent désagréables aux regards.

Elle réalise en 2004 un intérieur du rêve américain qui, en fait, n'en est qu'une parodie.Puis, elle propose en 2008 de transformer «Ground Zero» en supermarché et en boîte de nuit, maquettes plutôt vulgaires à l'appui.

Ground Zero

Le (MoMA) à New-York lui a consacré une rétrospective du 23 novembre 2013 au 10 mars 2014.  

 

  Genzken au MoMA

 

This is Isa Genzken, MoMA

 

Gerhard Richter

Gerhard Richter (1932-), un des artistes dont parlait mon billet d'hier avec la vente aux enchères, est un peintre polymorphe allemand. En effet il peut petre figuratif pendant une période puis devenir abstrait par la suite. Il a également travaillé la sculpture et le dessin.

Il est également photographe et reproduit les sujets sur ses toiles. Les sujets sont variés : photos de presse, photos personnelles, clichés d'amateurs divers. La plupart du temps ses toiles sont abstraites et il les nomme continuellement «Toile abstraite» (Abstraktes Bild). Un atlas de ces photos est ainsi constitué et exposé par la suite à différentes occasions et à différents stades d'évolution. 

Il travaille souvent ses grandes toiles à l'aide d'un large «squeegee» et d'une truelle afin d'étendre la peinture et de découvrir celle qui se cache derrière. Vous pouvez le voir à l'oeuvre dans le clip vidéo au bas de ce billet.

Toile abstraite

Entre 1966 et 1974, sa recherche portera sur des toiles de «chartes de couleurs» en travaillant sur des permutations complexes de couleurs. Dans les années 1970, il développera des procédures pour le mélange des couleurs . Sa palette de couleurs est, à ce moment, déterminée par un système mathématique du mélange de couleurs primaires en graduant les quantités. Chacune des couleurs est alors ordonnée de façon aléatoire sur la toile ce qui crée un certain résultat sur le tableau. Ce sera cette forme d'association qu'il utilisera pour la fenêtre du transept sud de la Cathédrale de Cologne.

Cathédrale de Cologne

Il est également professeur dans plusieurs écoles d'art. Il a même enseigné à Halifax au Canada où il a également travaillé. Il a eu trois épouses au cours de sa vie. Il a également rempli certains contrats pour quelques œuvres commandées mais il déclinait des offres de ce genre la plupart du temps.

Il est récipiendaire de nombreux prix «dont le Junger Western Art à Recklinghausen en 1967, le prix Arnold Bode à la Documenta de Cassel en 1981, le prix Oskar Kokoschka à Vienne en 1985, le Prix Wolf des Arts en Israël en 1994/95 et le Praemium Imperiale au Japon en1997.» -- Wikipédia

réallisatiion Corinna Belz, You tube

Ah ces enchères!

Encore une fois, le prix des œuvres artistiques vendues dans les enchères atteint des sommets. 

«Des œuvres d'Andy Warhol, Gerhard Richter et Jeff Koons ont été adjugées chacune pour plus de 25 millions de dollars américains mercredi, dans le cadre d'une vente d'art contemporain organisée par la maison Sotheby's.» -- Radio-Canada, 15 mai 2014

En résumé, les œuvres qui ont atteint ces sommets sont Six self-portraits de Warhol (30,1 millions de dollars),  Blau de Gerhard Richter (28,7 millions de dollars) et Popeye de Jeff Koons (28,2 millions). Parmi les autres œuvres vendues, nous retrouvons Undiscovered..., de Jean-Michel Basquiat (23,7 millions) et une toile sans titre de Mark Rothko (12,2 millions).

Œuvres de Andy Warhol et Jeff Koons.  Photo : AP/Julie Jacobson

Les billets correspondants dans MRGENs pour ces artistes sont les suivants : Andy Warhol (20 mai 2013), Jeff Koons (30 avril et 14 novembre 2013), Mark Rothko (20 octobre 2013) et Jean-Michel Basquiat (19 mai 2013). Un billet sur Gerhard Richter suivra sous peu.

John Hoyland

John Hoyland (1934-2011) est un peintre britannique considéré comme l'un des peintres abstraits contemporains les plus influents et des plus reconnus. 

«Painting should be a seismograph of the person.» -- John Hoyland, 2006

Il étudie à la Sheffield School of Art et réside à Londres mais voyage à New-York où il fait la connaissance du célèbre critique d'art Clement Greenberg. Ce dernier lui fait connaître la peinture de Hans Hofmann. Il partagera sa résidence entre Londres et New-York jusqu'à la fin des années 1970.

Le travail de Hoyland se divise en trois périodes. À ses débuts, il peint selon le mouvement du «colorfield painting» des grands formats sur lesquels il dépose directement sur le canevas non apprêté la peinture à l'huile diluée. Sur ce fond il dépose des lignes et des carrés de couleurs qui forment ainsi un réseau. Sa recherche se rapproche ainsi de celles de Frank Stella (billet du 22 mai 2013) et Morris Louis (21 octobre 2013),

La période suivante le voit, de retour en Angleterre et contrairement à sa première période, utiliser une peinture épaisse aux lourds empâtements. Ses toiles deviennent denses et lourdes. Il utilise maintenant le couteau. Celles-ci évoquent Hans Hofmann. 

La troisième période est vraiment très surprenante. Suite à ses nombreux voyages autour du monde, il laisse le formalisme de côté et intègre à sa peinture des observations faites lors de ces fameux voyages. Il utilise alors l'acrylique et utilise autant sa fonction empâtements que celle délayée à l'eau que permet ce médium.

On lui organisera plusisurs rétrospectives en Grande-Bretagne En 1991, il devient membre de la Royal Academy. Puis, il est nommé docteur honoris causa de l'Université de Sheffield en 2003.  En septembre 2010 la Yale University aux États-Unis présente son œuvre dans une exposition au côté de Howard Hodgkin et Patrick Caulfield, entre autres. 

You tube, inesvigo

Ron B. Kitaj

De son vrai nom, Ronald Brooks Kitaj (1932-2007) est un peintre figuratif et graphiste américain. Son œuvre, très cosmopolite, subit l'influence de ses nombreux voyages, au début en tant que marin surtout en Amérique latine et en Europe. Il suivait ainsi, par escales, un apprentissage artistique e à la Cooper Union for the Advancement of Science and Art de New York (1950) puis à l'Akademie der Bildenden Künste de Vienne (1951). Il a par la suite dessiné pour l'armée américaine en Allemagne et en France. En 1957, il choisit le métier d'artiste et il étudie à la Ruskin School of Drawing and Art d'Oxford en Angleterre avec sa bourse G. I. Bill offerte aux soldats désirant reprendre leurs études après la guerre. La Grande-Bretagne deviendra ainsi son principal port d'attache lors de ses voyages qui continueront par la suite et auront un impact sur sa peinture.

Certains le classent particulièrement dans le mouvement pop américain même si ce n.est pas toujours aussi évident dans ses peintures. Il utilise de nombreux médias tels les collages, les lithographies, etc. 

Ses thématiques sont surtout des personnages et quelques paysages urbains qu'il travaille en peinture, au fusain et pastel et au graphite.

The rise of fascism, 1975-1979

Kitaj s'est suicidé en 2007.

Frank Auerbach

Frank Auerbach (1931-) est un peintre anglais né à Berlin. Ses parents l'avaient envoyé à Londres durant la guerre pour échapper aux déportations des familles juives. Il appartient au regroupement de peintres appelé L'École de Londres dont font également partie Francis Bacon, Lucian Freud, Michael Andrews et Leon Kossoff.

Sa peinture nous offre surtout des portraits de femmes et de groupes ainsi que des paysages urbains. Sa peinture est figurative mais tend vers l'expressionnisme. Il ne fait aucun croquis de ses modèles alors que pour les paysages, il peut en réaliser des centaines. Cela implique que le modèle doit garder la même pose jusqu'à ce qu'il ait terminé une peinture.

Ses toiles sont faites de lourds empâtements. Certains tableaux étaient même présentés à plat lors d'expositions car on craignait que la peinture ne tombe d'elle-même à cause de son poids. Il a travaillé longtemps avec cette technique qui s'est estompée par la suite. Ses toiles ressemblent parfois à des bas-reliefs.

Au début de sa carrière artistique Auerbach peignait avec des couleurs terre moins coûteuses ; puis apparaissent le bleu outremer et le rouge de cadmium. Il reste très perfectionniste :

«He is also an obsessive perfectionist and has been known to buy back and destroy an inferior painting, sometimes years after completion. In his youth, he would compulsively work and rework an image, clawing away unworthy fragments and burying unsatisfactory versions deep in the endless layers of paint. But now, after each sitting, he mercilessly scrapes everything down so that there is just the shadow of an image left for the next: "It is a bit disturbing," says David Landau, who has sat for Auerbach since 1984, "particularly on those occasions when you remember from the last time that the painting was quite good. You think this was a really beautiful picture and yet it wasn't good enough for him. Next time you arrive it will be a scraped-down ghost.»- The Guardian, 15 septembre 2001

On peut voir plusieurs de ses œuvres à la Tate Gallery. Sur la prochaine image, vous pouvez apercevoir les empâtements de peinture dont il était question précédemment.

Building Site near St Pauls, Winter by Frank Auerbach, huile sur bois, 1955

Head of Jake, 2010, huile sur toile, 61.3 x 56.6 cm

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (1887-1968) est l'un des artistes les plus célèbres et importants du 20e siècle. Je l'ai déjà mentionné dans le cadre de quelques billets mais lui consacre celui d'aujourd'hui. Français d'origine, il a été naturalisé américain en 1955.

Duchamp a inventé les «ready-made», comme j'en ai déjà parlé avec sa «Fontaine» en 1917. Sa démarche artistique a produit une influence sur plusieurs courants de l'art contemporain. Finalement, que l'on aime ou pas, son œuvre ne laisse personne indifférent.

Son art se situe parfois entre le cubisme et le futurisme nous permet de voir l'ampleur du génie créateur de l'artiste comme nous le montre le tableau qui suit, Duchamp y décompose le mouvement du modèle dans l'escalier.

Nu descendant un escalier, 1912, 109 1/4 x 70 x 3 3/8 po

Son œuvre la plus étrange, et l'une des plus belles selon moi, est la Mariée mise à nu par ses célibataires, ou également appelée Grand Verre, réalisée sur panneau de verre entre 1915 et 1923 (actuellement au Musée de Philadelphie). Réalisée à l’huile, feuille et fil de plomb et de poussière, montée entre deux plaques de verre, la pièce fut endommagée lors de son transport en 1916, mais Duchamp refusa de la restaurer. L'œuvre est considérée comme inachevée, selon le vœu de l'artiste qui laissa cependant des notes. Ainsi les critiques d'art, qui auront connu cette œuvre uniquement brisée, déclareront qu'elle a toujours été ainsi.

«Dans un entretien avec Robert Lebel (1959), Duchamp révèle que cette "mariée" est un concept qui prend sa source dans un stand de fête foraine de province : les jeunes gens devaient envoyer des projectiles sur une représentation de femme en robe de mariée afin de la déshabiller, ses atours ne tenant qu'à un fil (attraction dite du Chamboultou).» - Wikipédia

Tout au long de sa carrière, Marcel Duchamp a posé une réflexion sur la notion d'Art et sur l'esthétique. Il a ainsi ouvert la voie à l'art conceptuel. Ses écrits ont été publiés sous les titres de Marchand du sel et Duchamp du signe. l a aussi créé le personnage de Rrose Sélavy, sculpteur et auteur 

 Les écrits de Marcel Duchamp ont été publiés sous les titres Duchamp du signe (1958) et Marchand du sel (1958). Il fut également le créateur d'un personnage fictif en 1920, Rrose Sélavy, sculpteur qui maniait habilement la contrepèterie et l’allitération. 

Une petite anecdote ici. J'ai amené un copain au Musée des beaux-arts du Canada et, à un certain moment, nous entrons dans la pièce réservée aux «ready-mades» de Duchamp. Sa réaction fut instantanée, pour lui ce n'était pas de l'art. C'était un sacrilège de montrer ces objets comme œuvres d'art... (voir mon billet du 11 mars 2013). Il n'a jamais pu et voulu «voir» avec les yeux de Marcel Duchamp. Il n'acceptait pas la ré-définition des objets présentés.

Pour terminer voici de Duchamp le portrait de Salvador Dali en Mona Lisa. De par la diversité de ses créations, Duchamp n'a jamais pu être caractérisé ou classé dans un mouvement artistique particulier. Il s'est, lui-même, servi de plusieurs mouvements pour les adapter à son art.

 

Leigh Bowery

Tout un personnage que Leigh Bowery (1961-1994). Né en Australie, il a vécu en Angleterre pour la plus grande partie de sa vie, plus précisément à Londres. Il était artiste de performance, créateur de club, acteur, modèle et créateur de mode. Il avait des idées avant-gardistes. Il a influencé plusieurs artistes dont, entre autres, Lucian Freud pour qui il a posé pour des portraits et des nus, Boy George, Lady Gaga, John Galliano, etc.

Leigh Bowery par Lucian Freud, huile sur toile, 1991

Il n'a jamais laissé personne indifférent face à son «personnage» excentrique. Il déclare lui-même qu'il se trouvait continuellement en performance lorsqu'il sortait magasiner, au restaurant, déambulant simplement dans les rues de Londres, etc. 

Posant pour Freud pour Leigh under the Skylight,1994

Vous pouvez consulter sa notice nécrologique parue dans The Independant. Il est décédé des suites du sida le 31 décembre 1994. Voici un clip vidéo qui nous fait voir Bowery dans la vie de tous les jours. Vous trouverez plusieurs autres vidéos sur You tube.

You tube

Catherine Bolduc à la galerie Thomas Henry Ross art contemporain

Jusqu'au 7 juin 2014 se tient à la galerie Thomas Henry Ross art contemporain l'exposition Comment encadrer un paysage hypothétique de Catherine Bolduc. L'artiste montréalaise travaille les installations diverses et le dessin. Je vous laisse lire l'article de Jérôme Delgado dans Le Devoir de samedi.

Photo : Jean-Michel Ross

«Dans mes installations, le visiteur est invité à faire l'expérience d'un espace fantasmagorique bricolé, factice, ludique, où le banal cherche à devenir motif d'émerveillement.» - Catherine Bolduc

L'artiste a participé à l'événement L'art souterrain en 2014 à Montréal (image suivante). Elle est également récipiendaire du Prix Powerhouse 2013. 

L'île déserte, 2014, Montréal

Monuments men

Nous avons visionné hier le film Monuments men qui est présentement à l'affiche à Montréal et partout en province j'imagine. Pourquoi je vous parle de ce film? C'est une reconstitution historique d'un fait réel. Le film est réalisé par George Clooney et met en vedette, entre autres, George Clooney, Matt Damon et Bill Murray. Beaucoup de moments drôles viennent un peu alléger la dramatique du film.

L'histoire se passe durant la Seconde guerre mondiale et raconte la plus grande chasse aux œuvres d'art du XXe siècle.

«En pleine Seconde Guerre mondiale, sept hommes qui sont tout sauf des soldats – des directeurs et des conservateurs de musées, des artistes, des architectes, et des historiens d’art – se jettent au cœur du conflit pour aller sauver des œuvres d’art volées par les nazis et les restituer à leurs propriétaires légitimes. Mais ces trésors sont cachés en plein territoire ennemi, et leurs chances de réussir sont infimes. Pour tenter d’empêcher la destruction de mille ans d’art et de culture, ces Monuments Men vont se lancer dans une incroyable course contre la montre, en risquant leur vie pour protéger et défendre les plus précieux trésors artistiques de l’humanité.» - Allo Ciné

Voici la bande annonce.

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